Die E-Gitarre von B.B. King – „Lucille“ und der Klang des Blues

Kaum eine Verbindung zwischen einem Musiker und seinem Instrument ist in der Geschichte des Blues so bekannt wie jene zwischen B.B. King und seiner E-Gitarre „Lucille“. Über viele Jahrzehnte hinweg wurde die Gitarre zu einem festen Bestandteil seiner musikalischen Identität. Sie war weit mehr als ein Werkzeug zur Erzeugung von Tönen. In den Händen B.B. Kings wurde sie zu einer zweiten Stimme, die Trauer, Sehnsucht, Freude und Hoffnung ausdrücken konnte.

Dabei bezeichnete „Lucille“ nicht nur eine einzige Gitarre. B.B. King gab im Laufe seiner Karriere verschiedenen Instrumenten diesen Namen. Besonders eng verbunden ist der Name jedoch mit den Gibson-Halbresonanzgitarren der ES-300er-Serie, vor allem mit der Gibson ES-355 und später mit dem speziell für ihn entwickelten Gibson-B.B.-King-Lucille-Modell.

Die Geschichte dieser Gitarre erzählt deshalb zugleich die Geschichte eines der einflussreichsten Bluesgitarristen des 20. Jahrhunderts.

B.B. King und die Entstehung eines eigenen Gitarrenstils

B.B. King, mit bürgerlichem Namen Riley B. King, wurde 1925 in Mississippi geboren. Seine musikalischen Wurzeln lagen tief im Blues und Gospel des amerikanischen Südens. Im Laufe seiner Karriere entwickelte er jedoch einen Gitarrenstil, der sich deutlich von vielen anderen Bluesmusikern seiner Generation unterschied.

King versuchte nicht, möglichst viele Töne in kurzer Zeit zu spielen. Stattdessen konzentrierte er sich auf Ausdruck, Phrasierung und Dynamik. Einzelne Noten erhielten bei ihm eine außergewöhnliche Bedeutung. Ein lang gehaltener Ton, ein gezieltes Bending oder sein charakteristisches Vibrato konnten eine ganze musikalische Aussage transportieren.

Seine Gitarre übernahm dabei häufig die Funktion einer menschlichen Stimme. B.B. King spielte eine Phrase und antwortete anschließend mit seinem Gesang – oder umgekehrt. Dieses musikalische Prinzip von Call and Response gehört zu den wichtigsten Elementen seines Stils.

Dadurch entstand der Eindruck eines Dialogs zwischen B.B. King und seiner Gitarre.

Warum hieß seine Gitarre „Lucille“?

Die Geschichte des Namens „Lucille“ gehört zu den bekanntesten Erzählungen der Bluesgeschichte.

In den späten 1940er-Jahren spielte B.B. King in einem Tanzlokal in Twist im US-Bundesstaat Arkansas. Das Gebäude wurde mit einem offenen Behälter beheizt, in dem Kerosin verbrannt wurde. Während der Veranstaltung gerieten zwei Männer in einen Streit und stießen dabei den Heizbehälter um.

Das Gebäude fing Feuer.

B.B. King konnte zunächst ins Freie gelangen. Dann erinnerte er sich jedoch daran, dass sich seine Gitarre noch im brennenden Gebäude befand. Er lief zurück und rettete das Instrument.

Später erfuhr er, dass der Streit zwischen den Männern wegen einer Frau entstanden war. Ihr Name war Lucille.

King beschloss daraufhin, seine Gitarren Lucille zu nennen. Der Name sollte ihn daran erinnern, niemals wieder wegen einer Frau in einen solchen Streit zu geraten – und niemals wieder sein Leben zu riskieren, indem er in ein brennendes Gebäude zurücklief.

Aus dieser persönlichen Erinnerung entwickelte sich eines der bekanntesten Symbole der Bluesgeschichte.

Lucille war nicht nur eine einzige Gitarre

Wenn von „Lucille“ gesprochen wird, entsteht leicht der Eindruck, B.B. King habe während seiner gesamten Karriere dieselbe Gitarre gespielt. Tatsächlich war Lucille jedoch eher ein Name für eine ganze Reihe von Instrumenten.

Im Laufe seines langen Musikerlebens spielte King unterschiedliche Gitarren. Besonders wichtig wurden für ihn die großen Gibson-Halbresonanzmodelle.

Diese Gitarren verbanden Eigenschaften traditioneller Jazzgitarren mit den Möglichkeiten moderner elektrischer Gitarren. Ihr großer Korpus verlieh ihnen eine elegante Erscheinung, während Humbucker-Tonabnehmer einen warmen, kräftigen und vergleichsweise rauscharmen Klang ermöglichten.

Besonders die Gibson ES-355 wurde stark mit B.B. King verbunden.

Die ES-355 gehörte zu den hochwertigen Modellen der Gibson-ES-Serie. Sie besaß typischerweise zwei Humbucker, eine aufwendige Ausstattung und eine vielseitige Elektronik. Ihre Konstruktion eignete sich hervorragend für Blues, Jazz und verwandte Stilrichtungen.

Doch B.B. King hatte besondere Anforderungen an sein Instrument.

Die Gibson B.B. King Lucille

Aus der Zusammenarbeit zwischen Gibson und B.B. King entstand schließlich ein speziell auf seine Bedürfnisse zugeschnittenes Signature-Modell: die Gibson B.B. King Lucille.

Optisch erinnert die Gitarre stark an eine ES-355. Der große Korpus, die luxuriöse Ausstattung und die typische Gibson-Form blieben erhalten. Dennoch gab es einige entscheidende Unterschiede.

Besonders auffällig ist das Fehlen der klassischen F-Löcher.

Halbresonanzgitarren wie die ES-335 oder ES-355 besitzen normalerweise zwei F-förmige Schallöffnungen im Korpus. Diese gehören nicht nur zum traditionellen Erscheinungsbild solcher Instrumente, sondern beeinflussen auch deren akustische Eigenschaften.

B.B. King ließ diese Öffnungen bei seinem Lucille-Modell weg.

Der Grund dafür war vor allem praktischer Natur: Feedback.

Der Kampf gegen Rückkopplungen

Halbresonanzgitarren können bei hohen Lautstärken anfälliger für Rückkopplungen sein als massive Solidbody-Gitarren. Der Korpus beginnt durch die Schallenergie des Verstärkers mitzuschwingen. Unter bestimmten Bedingungen entsteht daraus eine Rückkopplungsschleife.

Im Blues kann kontrolliertes Feedback durchaus als musikalisches Ausdrucksmittel eingesetzt werden. Unkontrollierte Rückkopplungen können jedoch problematisch sein.

B.B. King spielte häufig mit kräftigem, warmem Verstärkersound und benötigte eine Gitarre, die auch auf größeren Bühnen kontrollierbar blieb.

Durch den Verzicht auf die F-Löcher konnte die Rückkopplungsanfälligkeit reduziert werden. Gleichzeitig behielt das Instrument viele Eigenschaften einer großen Semi-Hollow-Gitarre.

Damit wurde Lucille zu einer interessanten Mischung aus traditioneller Bauweise und praktischer Bühnentauglichkeit.

Die beiden Humbucker

Ein wesentlicher Bestandteil des Lucille-Sounds waren die beiden Humbucker-Tonabnehmer.

Humbucker erzeugen im Vergleich zu vielen klassischen Single-Coil-Tonabnehmern normalerweise einen volleren und kräftigeren Klang. Gleichzeitig unterdrücken sie einen Teil der typischen elektrischen Brummgeräusche.

Für B.B. Kings Spielweise war besonders der Hals-Tonabnehmer wichtig.

Dieser liefert einen warmen, runden und weichen Klang. Genau diese Eigenschaften passten hervorragend zu Kings singender Spielweise.

Sein Ton war selten aggressiv verzerrt. Stattdessen wirkte er häufig klar, warm und gleichzeitig durchsetzungsfähig.

Das zeigt eine wichtige Besonderheit seines Sounds: Die emotionale Intensität entstand nicht hauptsächlich durch starke Verzerrung.

Sie entstand durch die Finger des Gitarristen.

Das berühmte Vibrato

Eines der auffälligsten Merkmale von B.B. Kings Gitarrenspiel war sein Vibrato.

Während ein Sänger einen gehaltenen Ton leicht in seiner Tonhöhe verändern kann, muss ein Gitarrist diesen Effekt mechanisch erzeugen. B.B. King entwickelte dafür eine sehr charakteristische Technik.

Er hielt einen Ton und bewegte die greifende Hand beziehungsweise den betreffenden Finger sehr schnell. Dadurch entstand ein intensives, schimmerndes Vibrato.

Dieses Vibrato wurde zu einem seiner musikalischen Markenzeichen.

Schon wenige Töne konnten dadurch eindeutig nach B.B. King klingen.

Das ist bemerkenswert, denn viele Gitarristen werden über bestimmte Verstärker, Effekte oder technische Einstellungen identifiziert. Bei King lag die Wiedererkennbarkeit dagegen stark in seiner Art der Tonformung.

Lucille war das Instrument – aber seine Hände verliehen ihr ihre Stimme.

Bendings als Sprache

Neben dem Vibrato waren Bendings ein entscheidender Bestandteil seines Stils.

Beim Bending wird eine Saite auf dem Griffbrett seitlich gezogen oder gedrückt, wodurch sich ihre Spannung und damit ihre Tonhöhe erhöht.

B.B. King setzte diese Technik äußerst gezielt ein.

Seine Bendings wirkten häufig wie das Anheben einer menschlichen Stimme. Ein Ton konnte langsam nach oben gezogen werden, kurz verharren und anschließend mit Vibrato versehen werden.

Dadurch entstand ein emotionaler Spannungsbogen innerhalb einer einzigen Note.

King demonstrierte damit eindrucksvoll, dass musikalische Ausdruckskraft nicht von der Anzahl gespielter Noten abhängt.

Manchmal konnte ein einziger Ton mehr sagen als eine lange Tonfolge.

Der berühmte „B.B. King Box“-Bereich

Gitarristen beschäftigen sich bis heute mit einem bestimmten Bereich des Griffbretts, der häufig als „B.B. King Box“ bezeichnet wird.

Dabei handelt es sich nicht um eine spezielle Tonleiter, sondern eher um eine charakteristische Position, aus der sich bestimmte Blues-Phrasen und Bendings besonders gut spielen lassen.

B.B. King kombinierte Elemente der Moll-Pentatonik, Dur-Pentatonik und weitere charakteristische Bluesnoten. Dadurch klang sein Spiel nicht ausschließlich dunkel oder melancholisch.

Es konnte gleichzeitig traurig und hoffnungsvoll wirken.

Gerade dieser Wechsel zwischen Dur- und Mollfärbungen gehört zu den faszinierendsten Elementen des Blues.

Lucille wurde dabei zum Medium dieser feinen emotionalen Abstufungen.

Weniger Verzerrung, mehr Ausdruck

Wer moderne Bluesrock- oder Rockgitarristen hört, verbindet den Klang der E-Gitarre häufig mit deutlicher Verzerrung.

Bei B.B. King war das anders.

Sein Sound war häufig relativ sauber oder nur leicht angezerrt. Dadurch blieben Anschlag, Dynamik und Tonformung deutlich hörbar.

Ein hart angeschlagener Ton konnte kräftig hervortreten, während ein sanfter Anschlag wesentlich weicher klang.

Diese Dynamik war ein entscheidender Bestandteil seines Ausdrucks.

Starke Verzerrung komprimiert den Klang und kann Lautstärkeunterschiede zwischen einzelnen Anschlägen reduzieren. Ein relativ sauberer Gitarrensound reagiert dagegen sehr unmittelbar auf die Spielweise.

B.B. King nutzte genau diese Eigenschaft.

Lucille und der Verstärker

Eine elektrische Gitarre erzeugt ihren charakteristischen Klang niemals allein. Erst das Zusammenspiel aus Instrument, Tonabnehmern, Verstärker, Lautsprecher und Spieltechnik ergibt den endgültigen Sound.

B.B. King wurde über die Jahre mit unterschiedlichen Verstärkern verbunden. Besonders bekannt wurde seine Verwendung von Lab-Series-Verstärkern, insbesondere des Lab Series L5.

Interessanterweise handelt es sich dabei um einen Transistorverstärker.

Das widerspricht der verbreiteten Vorstellung, ein authentischer Blues-Sound müsse zwangsläufig aus einem klassischen Röhrenverstärker stammen.

B.B. Kings Beispiel zeigt das Gegenteil.

Für ihn waren Klarheit, Wärme und kontrollierbare Dynamik wichtiger als starke Endstufenverzerrung.

Sein Sound entstand deshalb weniger durch ein kompliziertes Effekt-Setup als durch das Zusammenspiel einer geeigneten Gitarre, eines passenden Verstärkers und seiner außergewöhnlichen Spieltechnik.

Die Elektronik von Lucille

Ein weiteres interessantes Merkmal vieler Lucille-Modelle ist die umfangreiche Elektronik.

Neben den klassischen Lautstärke- und Klangreglern besitzt die Gitarre einen sogenannten Varitone-Schalter.

Der Varitone ermöglicht unterschiedliche Klangfilterungen. Bestimmte Frequenzbereiche können dadurch verändert beziehungsweise abgesenkt werden.

Das Instrument erhält auf diese Weise mehrere unterschiedliche Klangcharaktere.

Je nach Einstellung kann der Ton beispielsweise voller, schlanker oder mittiger wirken.

Für einen Musiker wie B.B. King war diese Vielseitigkeit besonders interessant, weil sein Gitarrenton häufig sehr präzise im musikalischen Gesamtbild positioniert war.

Eine Gitarre als zweite Stimme

Vielleicht lässt sich B.B. Kings Beziehung zu Lucille am besten verstehen, wenn man seine Musik nicht als klassisches Gitarrenspiel betrachtet.

Er spielte Lucille fast wie ein Sänger.

Typischerweise sang King eine Phrase und ließ anschließend seine Gitarre antworten.

Diese Struktur hatte ihre Wurzeln tief in der afroamerikanischen Musiktradition. Das Prinzip des Call and Response findet sich im Gospel, Blues und später auch in Jazz, Soul, Funk und Rock.

Bei B.B. King wurde daraus ein Dialog zwischen Mensch und Instrument.

Seine Stimme erzählte die Geschichte.

Lucille kommentierte sie.

Manchmal bestätigte sie das Gesungene, manchmal schien sie zu klagen, manchmal antwortete sie beinahe trotzig.

Dadurch bekam die Gitarre eine eigene musikalische Persönlichkeit.

Warum B.B. King kaum Akkorde spielte

Ein weiterer interessanter Aspekt seines Stils war der vergleichsweise sparsame Einsatz komplexer Akkordbegleitungen.

B.B. King konzentrierte sich stark auf einzelne Linien und melodische Antworten.

Er musste nicht gleichzeitig Rhythmusgitarre und Leadgitarre spielen. Seine Bands lieferten das harmonische Fundament, während King darüber seine charakteristischen Gitarrenphrasen entwickelte.

Dadurch konnte er sich vollständig auf Tonbildung, Timing und Ausdruck konzentrieren.

Auch Pausen spielten dabei eine entscheidende Rolle.

King verstand, dass Musik nicht nur aus gespielten Noten besteht.

Der Raum zwischen den Noten war ebenso wichtig.

Eine Phrase erhielt durch eine anschließende Pause Gewicht. Der Zuhörer bekam Zeit, den musikalischen Gedanken aufzunehmen, bevor Lucille erneut „sprach“.

Lucille als optisches Symbol

Neben ihrem Klang wurde Lucille auch visuell zu einem Symbol.

Besonders die schwarzen Modelle mit goldfarbener Hardware entwickelten einen hohen Wiedererkennungswert.

Die große schwarze Gitarre passte perfekt zu B.B. Kings Bühnenpräsenz. Über Jahrzehnte hinweg wurde das Instrument auf Konzertfotos, Albumaufnahmen, Fernsehauftritten und Werbematerialien sichtbar.

Dadurch entstand eine ikonische Einheit:

B.B. King und Lucille.

Ähnlich wie bestimmte Gitarrenmodelle untrennbar mit anderen berühmten Musikern verbunden sind, wurde Lucille zu einem Bestandteil der öffentlichen Identität B.B. Kings.

Der Einfluss auf andere Gitarristen

Der Einfluss von B.B. King reicht weit über den traditionellen Blues hinaus.

Generationen von Gitarristen studierten seine Bendings, sein Vibrato und vor allem seine Phrasierung. Sein Einfluss lässt sich im Bluesrock ebenso erkennen wie in Rock, Soul und modernen Formen gitarrenorientierter Musik.

Dabei war nicht nur entscheidend, was King spielte.

Entscheidend war, wie er es spielte.

Sein Stil vermittelte eine grundlegende Lektion über das Gitarrenspiel:

Technische Komplexität und musikalischer Ausdruck sind nicht dasselbe.

Ein Gitarrist kann hunderte Noten in wenigen Sekunden spielen und dennoch weniger Emotion vermitteln als ein Musiker, der einen einzigen Ton im richtigen Moment spielt.

B.B. King gehörte zu den großen Meistern dieses richtigen Moments.

Der Klang entstand nicht allein durch die Gitarre

Die Faszination von Lucille führt gelegentlich zu einem Missverständnis.

Man könnte glauben, dass der Kauf einer ähnlichen Gibson-Gitarre automatisch zum typischen B.B.-King-Sound führt.

Doch das Instrument war nur ein Bestandteil dieses Klanges.

Mindestens ebenso wichtig waren:

die Art des Anschlags, die Stärke der Bendings, das schnelle Vibrato, die Auswahl der Noten, das Timing, die Dynamik und vor allem die Pausen zwischen den Phrasen.

B.B. Kings Ton entstand aus der Verbindung zwischen Mensch und Instrument.

Genau deshalb ist sein Stil zwar leicht wiederzuerkennen, aber erstaunlich schwer überzeugend zu imitieren.

Die Noten selbst können vergleichsweise einfach sein.

Ihre richtige Interpretation ist wesentlich schwieriger.

Lucille als Teil der Bluesgeschichte

Lucille besitzt heute eine Bedeutung, die weit über technische Gitarrenspezifikationen hinausgeht.

Sie symbolisiert eine bestimmte Vorstellung davon, was eine E-Gitarre sein kann.

Nicht nur ein Instrument für Akkorde.

Nicht nur ein Instrument für schnelle Soli.

Nicht nur eine Maschine für Verzerrung und Lautstärke.

Sondern eine Stimme.

B.B. King zeigte, dass eine elektrische Gitarre lachen, klagen, schreien, flüstern und beinahe sprechen kann.

Dafür benötigte er häufig nur wenige Töne.

Gerade diese Reduktion machte seinen Stil so kraftvoll.

Die Kunst, mit wenigen Noten viel zu sagen

In der modernen Gitarrenwelt wird technisches Können häufig anhand von Geschwindigkeit, komplizierten Skalen oder virtuosen Spieltechniken bewertet.

B.B. King repräsentierte eine andere Form der Virtuosität.

Seine Virtuosität bestand in der Kontrolle über den einzelnen Ton.

Wie stark wird die Saite angeschlagen?

Wie weit wird sie gezogen?

Wann beginnt das Vibrato?

Wie lange bleibt der Ton stehen?

Wann endet die Phrase?

Und vor allem:

Wann wird nicht gespielt?

Diese Fragen bestimmten den Charakter seiner Musik.

Lucille war deshalb das perfekte Instrument für einen Musiker, dessen größte Stärke nicht in der Menge der gespielten Noten, sondern in deren Bedeutung lag.

B.B. King und Lucille – eine musikalische Einheit

Die Geschichte von B.B. King und Lucille gehört zu den eindrucksvollsten Beispielen dafür, wie eng ein Musiker mit seinem Instrument verbunden sein kann.

Technisch betrachtet war Lucille eine hochwertige elektrische Halbresonanzgitarre mit Humbuckern, umfangreicher Klangregelung und einigen speziell an Kings Bedürfnisse angepassten Eigenschaften.

Musikalisch betrachtet war sie jedoch wesentlich mehr.

Sie war seine zweite Stimme.

Wenn B.B. King sang, erzählte er eine Geschichte. Wenn Lucille antwortete, bekam diese Geschichte eine zusätzliche emotionale Ebene.

Sein Gitarrenspiel bewies, dass musikalische Größe nicht zwangsläufig aus Komplexität entstehen muss. Manchmal reicht ein einziger perfekt platzierter Ton.

Ein Bending.

Ein Vibrato.

Eine Pause.

Und anschließend die Antwort von Lucille.

Fazit

B.B. Kings „Lucille“ ist eine der berühmtesten E-Gitarren der Musikgeschichte. Besonders die Gibson ES-355 und die daraus hervorgegangenen B.B.-King-Lucille-Modelle wurden zu einem festen Bestandteil seines Erscheinungsbildes und seines Sounds.

Doch die eigentliche Bedeutung der Gitarre lässt sich nicht allein anhand von Holz, Tonabnehmern oder Elektronik erklären.

Lucille wurde berühmt, weil B.B. King ihr eine unverwechselbare Stimme gab.

Sein warmer Gitarrenton, seine präzisen Bendings, das charakteristische Vibrato und seine meisterhafte Phrasierung machten aus wenigen Noten ganze musikalische Geschichten.

Damit hinterließ B.B. King nicht nur ein außergewöhnliches musikalisches Erbe. Er zeigte Generationen von Gitarristen eine der wichtigsten Wahrheiten des Blues:

Es kommt nicht darauf an, wie viele Noten man spielt – sondern darauf, was man mit jeder einzelnen Note zu sagen hat.